Dienstag, 11.2. ... zwischen kurdischen und türkischen Landschaften, kein Zuhause mehr in Singapore und die Befreiung der Konzentrationslager von den Nazis

Generation Screening by Lilly Flowers

Türkisch, Kurdisch, Weltisch
    Zusammen mit ein paar Schulklassen und einem ganzen Schwung Erwachsener waren wir heute früh in dem kurdisch-türkischen Generationen-Film Were Dengê Min | Folge meiner Stimme. Gewaltige Landschaftsbilder genießen wir in diesem besonderen Roadmovie, durch den eine Großmutter zu Fuß mit ihrer Enkelin zieht. Sie versuchen vieles, um an ein Gewehr zu kommen. Denn der Vater und Sohn wurde zusammen mit den anderen Männern aus dem Dorf ins Gefängnis geworfen. Sie werden nur gegen die Aushändigung der versteckten Gewehre wieder frei gelassen. Oma gräbt das alte Gewehr ihres Vaters aus, doch die Soldaten lachen sie aus und schicken sie gedemütigt wieder zurück. Die Tochter sammelt alle Spielzeuggewehre ein, bis ihr gesagt wird, dass diese nicht zählen. Doch woher richtige Waffen nehmen, wenn man keine hat? Deshalb machen sich die beiden auf den Weg, um eine Pistole zu finden. Wir folgen den beiden und lernen dadurch die Menschen dieser Gegend kennen. Beim Q&A fragte eine Junge, ob dieser Film vor hundert Jahren spiele. Der Regisseur Hüseyin Karabey antwortete, das sei ein sehr gute Frage, denn der Inhalt der Geschichte sei tatsächlich schon sehr lange wahr, der Film selbst würde jedoch in der Gegenwart spielen. Er erhoffe sich jedoch durch die junge Generation, die solche Fragen stelle, eine Besserung der politischen Lage.

Singaporer im Exil
    Die Singaporer Künstlerin und Regisseurin Tan Pin Pin präsentierte uns heute Nachmittag ihren Dokumentarfilm To Singapore, With Love. Sie hat politische Exilanten befragt, die aufgrund ihrer engagierten kommunistischen Kämpfe für Demokratie und gegen Kolonialismus vor mehreren Jahrzehnten den Stadtstaat verlassen mussten. Bis heute dürfen sie nicht zurück kehren und dennoch ist ihr Lebenswunsch immer noch dieser Rückkehr in ihre Heimat und zu ihren Familien. Die in Singapur lebende und arbeitende Künstlerin erklärte uns im Publikumsgespräch, dass sie nicht wisse, wie der Film dort aufgenommen würde. Sie fürchte sich aber nicht vor Anfeindungen und würde ihn auch gerne mal in Singapur zeigen. Ihre Intention, den Film zu machen, sei es auch gewesen, ein Stück Geschichte zu erhalten.

Konzentrationslager in Deutschland
    Heute Abend waren wir in der vom Imperial War Museum (IWM) in London rekonstruierten Dokumentation German Concentration Camps Factual Survey. Britische, russische und amerikanische Kamerateams dokumentierten in den Jahre 1944 und 1945 die Gräueltaten in den Konzentrationslagern der Nazis. Es sollte ein Film entstehen, der die Deutschen mit ihrer Schuld konfrontierte. Die Alliierten entschieden sich dann jedoch gegen die Fertigstellung des Films. Gründe waren die Ansicht, dass über verschiedene Medien bereits viel Wissen über diese Gräueltaten verbreitet worden war und die Orientierung darauf, das Leben in Deutschland in funktionierende Bahnen zu lenken. Die Alliierten wollten die Nazis nicht mit Hilfsaktionen im folgenden Winter unterstützen müssen. Gleichzeitig gab es bei den Alliierten aufgrund des Krieges nicht die geplanten Kapazitäten, die Dokumentation zeitnah fertig zu stellen. Ob diese Entscheidung richtig war oder nicht, wie lässt sich das heute noch diskutieren? Die Wissenschaftler vom IWM planen, den Film in einer begleitenden Form öffentlich zu machen.

Montag, 10.2. ... schwarzweiße Beziehungskisten in den USA, Jugendliche in geheimer Mission rund um Kopenhagen und erwachsen werden im Norden Schwedens

Inside Cinema by Lilly Flowers

    Die Retrospektive hat uns heute früh in ein Doppelprogramm gelockt. In unseren ersten beiden Filmen aus den USA - von 1915 The Cheat von Cecil B. DeMille und aus dem Jahr 1914 The Typhoon von Reginald Barker - muss der erste japanische Hollywood-Star Sessue Hayakawa jeweils mit seiner Leidenschaft für eine Frau kämpfen. Das Setting stellt uns gut situierte Männern vor, die durch die Unwägbarkeiten ihrer Beziehungen in Bedrängnis geraten. In Die Schwindlerin reizt die geldausgebende Lebefrau ihren Verehrer so weit, dass er sie zu einer Affäre erpressen will. Den Schuss auf ihn nimmt der ihr alles vergebende Ehemann auf sich, sie rettet ihn jedoch in einer flammenden Rede vor Gericht. So bleibt der japanische Geschäftsmann als hartherziger Bösewicht zurück. Irritiert hat uns die harte Zeichnung einer vorgeblichen japanischen Kultur. Diese negative Zuordnung wurde 1918 an Birma weitergegeben, da nach Protesten aus Japan der Film als Elfenbeinkönig aus Birma ausgewiesen wurde.
    Im nachfolgenden Film Der Taifun führt uns die amerikanische Produktion nach Paris. Dort spielt Sessue Hayakawa den japanischen Diplomaten und Spion Tokorama. Als er seine Geliebte in einem Anfall von Eifersucht ermordet, wird sein Status geschützt und ein untergebener nimmt die Tat auf sich.
    Danach saßen wir im Haus der Kulturen mit einer überwältigend angenehmen Anzahl von Kindern und Jugendlichen in dem zu Herzen gehenden Generationenfilm Die geheime Mission. Karl muss mit seiner Mutter von Jütland nach Kopenhagen ziehen. In seiner neuen Schule eckt er durch seinen Dialekt als Landei bei seinen multikulturell geprägten MitschülerInnen an, die sich in der Großstadt zuhause fühlen. Auch das Mädchen Sawsan sieht sich als Außenseiterin, da sie sich mit ihren türkischen Familienwurzeln nicht im Reinen fühlt. Ihre Liebe zur Musik bringt die beiden zusammen und Karl unterstützt Swasan dabei, bei einem Talentwettbewerb im Fernsehen aufzutreten. Der Weg dorthin ist mühsam und witzig und bringt viele kulturelle Vorurteile ironisch ins Wanken. Wir haben viel gelacht und geweint - schade, dass der Film nur im Jugendprogramm laufen wird.
    In den wilden Zeiten der Jugend denkt der Mensch darüber nach, wie sein Leben sein soll und wo er damit hin will. Diese Gedanken waren eine Motivation der Lehrerin und Regisseurin Sofia Norlin, den Film Ömheten | Broken Hill Blues zu drehen. Kiruna, eine Stadt in Nordschweden ist der Mittelpunkt des Film und des Lebens der Protagonisten. Es ist eine kalte Gegend, in der die Sonne sich im Winter nicht lange blicken lässt und im Sommer nicht verschwindet. Dazu kommt der Erzabbau, der mit gut bezahlten Jobs lockt und doch die Erde immer wieder erzittern lässt. Markus ist fast erwachsen und eckt überall an. Die Familie ist nicht mehr wirklich sein Zuhause, die Schule wirft ihn raus. Er will auch nicht unter die Erde, der einzige Job, der ihm ein gutes und strukturiertes Leben geben würde. Wir sehen die weite grüne Natur, durch die er streift, doch nichts bringt ihm die Erlösung in ein ideales Leben. Schweigsam und aggressiv streift er durch die Gegend. Er ängstigt uns, wir haben aber auch Angst um ihn. Wir hoffen, dass er sich in die Welt der Erwachsenen einsortiert und gruseln uns gleichzeitig vor den angepassten Erwachsenen.

Sonntag, 9.2. ... zwischen Stadt und Land vor der Weltwirtschaftkrise, später auf einem Festival in Californien

Cubix Cinema by Lilly Flowers

    Zuerst irritierte uns das Setting des Films aus der Rubrik Retrospektive. Dieses kleine Dorf der Bauern und Fischer mit Ochsenkarren, schweren Stiefeln, Kopftüchern und langen Röcken, kennen wir von Bildern unserer Großmutter. Doch der Film Sunrise - A Song of Two Humans | Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen ist eine Hollywoodproduktion aus dem Jahr 1927 von Fox Film. Und es ist der erste Film, den Friedrich Wilhelm Murnau in den USA inszenierte. Er bekam dafür drei Oscars und der Film wird auch heute noch als ein Meilenstein der Filmgeschichte gelobt. Das Drehbuch von Carl Mayer entstand nach der Erzählung Die Reise nach Tilsit von Hermann Sudermann.
    Da uns in den einleitenden Worttafeln mitgeteilt wird, dass diese Geschichte immer und überall so stattfinden könnte, erhalten die Protagonisten keine Namen. Der Mann und die Frau sind seit ein paar Jahren verheiratet und haben ein Kind. Doch nun ist er leidenschaftlich für die Frau aus der Stadt entflammt, die Urlaub im Dorf macht. Dieser Frau begehrt den Mann, deshalb möchte sie ihn mit in ihre Stadt nehmen. Er soll seinen schlecht laufenden Bauernhof verkaufen. Doch er ist ja noch verheiratet. Leider fällt den Beiden nur ein, seine Frau umzubringen, damit sie frei sind und zusammen sein können. Die blasse blonde Ehefrau erträgt die Rivalin schon längere Zeit in zurückgezogener Trauer und Demut. Dagegen steht die schwarzhaarige, geschminkte Frau aus der Stadt als aggressiver Gegenpart. Zum kleinen Roadmovie wird der Film, als die Frau erkennt, dass ihr geliebter Mann daran denkt, sie zu ermorden. Sie rennt davon, in die Stadt, voller Reue läuft er ihr hinterher. In der Stadt finden sie ihre Liebe wieder, jedoch auch ein Leben, dass ihnen fremd ist. Sie genießen es und sind doch verloren in der Anonymität der vielen vorbei hastenden Menschen. Im dramatischen dritten Teil wird die neu entfachte Liebe fast von den Naturgewalten zerstört. Die Frau aus der Stadt hat schließlich das Nachsehen, irgendwie tut sie uns aber auch leid. Sie wirkt so einsam und die Stadt, in die sie nun allein zurück kehrt, erscheint nur vordergründig als modernerer und dadurch besserer Ort. Soll uns der Film etwa sagen, dass das Landleben in seiner Kargheit erstrebenswert ist? Regionale ökologische Landwirtschaft finden wir schon gut...
    Bei unserem zweiten Film Butter on the Latch von Josephine Decker sind wir in den USA geblieben. Sehr schnell wechselten wir von einer verwirrenden Situation in New York zu einem Balkan-Folk-Festival bei Mendocino. Zwei Freundinnen schwimmen zwischen Realität und Fantasie, kommen sich näher, verlieren sich, sind wieder zusammen. Regisseurin Decker erklärte uns nach dem Film das Konzept seiner Entwicklung. Die Schauspieler setzen innerhalb des tatsächlichen Musik-Festivals ihr Spiel um. So entsteht eine Situation aus Dokumentation und Drama, in dem die Protagonisten die Geschichte mit Leben füllen. Sie orientieren sich nur an Eckpunkten der Regisseurin, es gibt kein starres Drehbuch. Damit entsteht für die Darstellung der Geschichte eine kleine Freiheit, die durch die Persönlichkeit der Darsteller gefüllt wird. Die Kameraführung unterstützt dies durch Unschärfen, die langsam zum klaren Blick führen. Eine Situation kommt ins Bild und wird nicht vorgegeben oder gesucht. Wir haben uns danach lange über die Breite von Normalität unterhalten. Herrlich irritierend war die vielfältige Interpretationsmöglichkeit des Gesehenen.

Samstag, 8.2. ... Herr Castanhas Leben im Süden Brasiliens und Jugendliche auf ihrem Weg in der Türkei

Haus der Kulturen der Welt
by Lilly Flowers

    Regisseur Davi Pretto glaubt nicht an den Nutzen von einer ausschließlich anwendbaren Form im Film, wie er uns im Publikumsgespräch nach der Vorführung verrät. Deshalb schuf er mit seiner ersten Arbeit, dem Porträt von Joao Carlos Castanha, einen melancholischen Lebenslauf zwischen Spielfilm und Dokumentation. Der ältere Castanha lebt zusammen mit seiner Mutter in einer kleinen Wohnung. Von diesem gemeinsamen Lebensmittelpunkt aus spielen und zeigen sie ihr Leben der Kamera. Um den Lebensunterhalt zu sichern, tritt Castanha als Transvestit auf, zwischendurch geht er seiner weniger einträglichen Leidenschaft als Schauspieler im Theater und in Filmproduktionen nach. Seine Mutter Celina besucht ihren Mann im Altersheim und kümmert sich um ihren Enkel, der als unberechenbarer Drogenabhängiger die Dramaturgie steigert. Zu Beginn stolpert und rennt der nackte Castanha mit blutbeschmiertem Körper eine dunkle, einsame Straße entlang, begleitet von tosendem Lärm der gesammelten Töne des folgenden Films. Die ruhigen Bilder der Kameraführung gestatten unserem neugierigen Blick angenehm lange, auf den durch das Leben geprägten Gesichtern und Körpern von Sohn und Mutter zu verweilen. Wir sind bei ihnen Zuhause und gehen ein Stückchen ihres Lebensweges mit. Dadurch erfahren wir auch von ihrer Vergangenheit und bleiben dann in ihrer Gegenwart stehen. Beide wirken stark und zerbrechlich und wir wohnen bei ihnen. Wie es ihnen wohl weiter ergehen mag, das würde uns schon interessieren.
    Unser zweiter Film brachte uns heute in das Leben der Jugendlichen Deniz (übersetzt: Meer). Sie ist der Mittelpunkt des Films Mavi Dalga (Die blaue Welle), der unter der Rubrik Generation 14plus auf der Berlinale läuft. Zusammen mit ihren Freundinnen kommt Deniz in die Abschlussklasse ihrer Schule. Als junge Erwachsene müssen sie nun über ihre Zukunft entscheiden. Doch es bremst sie die Gegenwart, die entstehenden Gefühlen gehen über die kindlichen Schwärmereien für Lehrer und Jungs hinaus. Ungewohnte Leidenschaft, Ideen von Zuneigung und Liebe und die Geborgenheit in der Familie, der sie doch entfliehen wollen, diese Auseinandersetzungen teilt Deniz mit ihren Freundinnen. Aus Kindern werden Jugendliche werden Erwachsene, wir haben uns in diesen Auseinandersetzungen wiedererkannt. Ist aus uns geworden, was wir erträumten, was wir fühlten? Circa dreißig MitarbeiterInnen der Filmproduktion waren angereist, um sich mit dem Publikum auf der Bühne des Haus der Kulturen der Welt zu freuen und ihren Film zu feiern.

Freitag 7.2....Japan im Bürgerkrieg

Wood by Lilly Flowers

Im frühen 16. Jahrhundert befand sich Japan in einem Bürgerkrieg, dessen erschreckende Auswirkungen auf die um ihr karges Leben rennende Landbevölkerung Kenji Mizoguchi in seinem Film Ugetsu monogatar als Hintergrund nimmt. Der Töpfer Genjuro möchte mit seinen Waren auf dem Markt in der Stadt genug Geld verdienen, damit seine Frau, sein Sohn und er ihr spärliches Familienglück leben können. Doch sein Schwager Tobei will nicht den Vorstellungen seiner Frau folgen und Ackerbau betreiben, sondern als Samurei in den Krieg ziehen. Deshalb will auch er mit den Töpferwaren von Genjuro Geld verdienen. Und zuerst machen die in der Stadt angekommenen Männer vermeintlich ihr Glück. Doch die im Land wütenden Kriegsparteien reißen das Leben der beiden Paare auseinander. Der schusselige Tobei kann durch Zufall den Kopf eines mächtigen Generals ergattern und wird deshalb in den Stand des Samurei erhoben. Als er mit seinen Kriegern in einem Bordell absteigt, trifft er auf seine Frau. Nachdem er sie allein gelassen hatte, war diese von Soldaten vergewaltigt worden und dadurch notgedrungen in das Prostitutionsgeschäft eingestiegen. Der Töpfer Genjuro lernt auf dem Markt eine reiche, schöne, junge Frau kennen und kann sich ihrer Anziehungskraft nicht entziehen. Er heiratet sie und verbringt eine sorgenlose Zeit auf ihrem Anwesen, samt Bediensteten. Durch Zufall erfährt er, dass diese Frau ein Gespenst ist und ihn verhext hat, da sie in ihrem früheren Leben keine Liebe erfahren hatte. Als er sich von ihrem Zauber lösen kann, findet er sich in den Ruinen ihres Hauses wieder. Soldaten überfallen ihn, glauben kein Wort seiner Geschichte und rauben ihn aus. Benommen von seiner Tat macht er sich auf den Weg nach Hause in sein Dorf. Seine Frau und sein Junge warten auf ihn, glücklich schlafen sie zusammen ein. Doch als am nächsten Morgen der Bürgermeister an die Tür pocht, erkennt Genjuro langsam die Wahrheit. Diese glückliche Nacht hat ihm ein Gespenst beschert. Denn seine Frau ist tot, sie wurde von umherstreifenden Soldaten umgebracht, als sie ein bisschen Essen für ihr Kind verteidigte.
   Regisseur Kenji Mizoguchi war es in seinem Filmschaffen ein Anliegen, das Leben von Frauen zu thematisieren. Er selbst wuchs in großer Armut auf, die ältere Schwester wurde als Geisha verkauft, seine Mutter vom Vater misshandelt. Seine ersten Filme drehte er in Armenvierteln, danach wandte er sich mehr der Situation von Frauen zu, wie in dem Film Taki no shiraito - Die weißen Fäden des Wasserfalls. Nach dem 2. Weltkrieg, während dem er bereits auf Druck der Regierung auf die Filmindustrie auf historische Themen ausgewichen war, behielt er häufig den geschichtlichen Aspekt bei und verband ihn mit Frauenschicksalen, wie in Kenji Mizoguchi von 1953.
    Das Drehbuch adaptierten Yoshikata Yoda und Matsutaro Kawaguchi aus einer Sammlung von Geister- und Kriminalgeschichten des japanischen Schriftstellers Ueda Akinari (1734-1809), dessen Mutter Prostituierte war.
   Die langen und ruhigen Kamerafahrten lassen viel Raum für die darin spielenden Figuren und das unerschöpfliche Grau der Bilder. Es wäre zu einfach, diesen Film als Schwarz-Weiß-Film anzupreisen. Die Kraft seiner Darbietungen schöpft er auch aus den Schatten, den Unklarheiten zwischen dunkel und hell, die das Leben bestimmen. Wir hätten gerne jedes einzelne Bild des Filmes länger angeschaut, um zu erkennen, wo wir sind. Eine ausverkaufte Vorstellung zu später Stunde am zweiten Tag der Berlinale - danke für diesen atemraubenden Film.

Die 64. Berlinale beginnt heute

Cinema International @ Berlinale 2014
by Lilly Flowers

    Jedoch leider ohne uns, obwohl wir gerne Tilda Swinton oder Ralph Fiennes ein „Hi“ zugeworfen hätten. Aber wir freuen uns darauf, das Budapest der Zwischenkriegszeit bald nachzuschauen.
    Unser roten Teppich führte uns wieder einmal ins International und den beiden Schlangen vor den zwei Kassen. Heute half uns ein junger Mann mit rotem Sakko, schwarzer Hose, dunklen Schuhen und hoffentlich auch ebensolchen Socken, dabei, richtig zu queuen. Trotz dieser liebevollen Betreuung bemerkten die beiden Frauen vor uns erst nach zwei Stunden und kurz vor ihrem lang erwarteten Ende an der Kasse, dass ihre Wunschkarten ausverkauft waren. Dennoch zogen sie fröhlich von dannen und neuen Berlinale-Abenteuern entgegen.
    In unserer reizarmen Wartehalle bellte manchmal ein Hund, irgendwann roch es kurz und verführerisch nach Kaffee. Doch kein Getränke- und Essensverkäufer suchte an diesem einsam-vollen Ort nach potentiell interessierten Käufern. Hungrig und nach Koffein lechzend, verließen wir sofort nach unserem Plausch mit der netten Kartenverkäuferin diesen wundersamen Ort. Gleich dahinter, im Rathaus Mitte, gibt es ein Casino mit Frühstücks- und Mittagsangeboten.

Ja, ja, die Berlinale 2014 kommt!

Metrostation Sama, by Lilly Flowers

   Die Berlinale kriecht langsam auf uns zu und Schnee und Glatteis wissen noch nicht, was sie wollen. Wir schon: an unserem persönlichen Berlinale-Programm feilen. Und da wir manchmal zwischen den Berlinalen ins Kino gehen und brav solange still sitzen, bis der Abspann durch ist, kam uns der Name eines Jurymitgliedes (Herr Waltz läuft außer der Reihe) bekannt vor. Meist können wir uns diese Namen kaum merken, da sie nur so an uns vorbei rasen. Glücklicherweise genehmigen uns bedächtige Filme auch etwas mehr Zeit für ihre Angestellten, Arbeiter, Freiberufler und deren Helfer und Helfershelfer. Unwahrscheinlich, dass uns deshalb der Name Broccoli aufgefallen ist - ja, ja, wir genehmigen uns auch James Bond-Filme. Nach letztjähriger Berlinale-Tradition haben wir dennoch Glück, dass Frau Broccoli nicht den Vorsitz der Wettbewerbsjury bekam, sonst wäre bestimmt der neue James Bond im Wettbewerb (jedoch außer Konkurrenz). Wir hoffen, dass dies erst passiert, wenn Benedict Cumberbatch den James gibt, natürlich als Abstinenzler und mindestens auch Vegetarier. Wir wollen ja nicht, das James letztendlich doch noch impotent von seinen Gespielinnen im Rollstuhl durch die Actionszenen geschoben werden muss.
    Da wir aber zu James Schamus recherchiert haben, sind wir ganz zufrieden mit seiner Wahl zum Präsidenten der Wettbewerbsjury - obwohl wir die Wettbewerbsfilme erst im regulären Kinoanlauf genießen werden. Stimmt nicht ganz: den brasilianischen Beitrag Praia do futoro werden wir uns am Zuschauersonntag genehmigen, da er bestimmt nicht bei uns in die Kinos kommt und Wagner Moura so schön schauspielert. An James Schamus noch unseren herzlichsten Dank dafür, dass er uns Brokeback Mountain produziert hat. Ein Film, der zeigt, wie sinnvoll Kino sein kann.
    Und ab jetzt heißt es, Wetterberichte verfolgen, passende Kleidung bereit legen, kleine Äpfel und Trinkflaschen kaufen und den großen Plan entwerfen.
   Falls ihr auch gehofft habt, wieder etwas in die warmen afrikanischen Gefilde verschwinden zu können, müssen wir euch leider enttäuschen. Die Berlinale ist dazu immens schlecht aufgestellt. Wer sich da nicht für wen interessiert, bleibt uns leider bis heute unklar, sonst würden wir eine Petition verfassen.